Jairo Arcoverde y la libertad de un alfabeto pictórico
Jairo Arcoverde lleva más de seis décadas construyendo un lenguaje visual en el que la figuración y la abstracción nunca se asientan en territorios separados. Nacido en Pernambuco en 1940, asistió a la Escola de Belas Artes do Recife, pero identifica el estudio –no la formación académica– como el lugar donde realmente surgió su alfabeto pictórico. La pintura sigue siendo fundamental para su práctica, junto con los experimentos que conectan el color, el collage, la cerámica y la forma escultórica. Arte Plural Galeria describe su iconografía a través de la convergencia de la Nueva Figuración, el arte espontáneo y la imaginería asociada a los niños y estados de percepción no convencionales. Estas referencias no se convierten en estilos a imitar por Arcoverde. Ofrecen permiso para inventar fuera de la disciplina de la representación naturalista. See also Pedro Lucena y la Tierra de Origen.
Las seis obras aquí seleccionadas, fechadas entre 2005 y 2009, revelan cuán completo se había vuelto ese alfabeto. Rostros, animales, ruedas, ojos, espirales, círculos, bordes cosidos y trajes geométricos se comprimen en campos de color intensamente saturado. Un lienzo transforma un animal en una exuberante máquina roja: en parte pájaro, en parte vehículo, en parte mapa de órganos internos y símbolos decorativos. En las otras pinturas, figuras solitarias se enfrentan al espectador con ojos enormes y bocas contenidas y horizontales. Sus cuerpos parecen ensamblados a partir de bloques, compartimentos, franjas y objetivos, como si la identidad fuera una arquitectura que pudiera ser desmantelada y reconstruida. Las figuras son inmediatamente reconocibles, pero sus proporciones y superficies resisten cualquier descripción ordinaria del cuerpo humano. See also Gabriel Archanjo and the Figure as a Field of Resistance.
El color hace más que animar estas imágenes. Verde ácido, turquesa, naranja, amarillo, rojo y azul establecen una estructura tan contundente como el dibujo. Las superficies gruesas y trabajadas preservan la historia física de los gestos del artista, mientras que los contornos negros dan a cada forma la claridad de un signo. Las figuras de Arcoverde pueden recordar juguetes, objetos votivos, máscaras, robots, antepasados o visitantes de una mitología inventada, pero nunca se resuelven en una sola categoría. Sus poses frontales crean un encuentro que es a la vez divertido y extrañamente solemne. Las referencias a Paul Klee, Wassily Kandinsky, Joan Miró, Art Brut y la cultura libertaria de la década de 1960 ayudan a situar esta libertad, pero el vocabulario de Arcoverde sigue siendo inequívocamente suyo: directo sin ser simple, lúdico sin llegar a ser inocente.
El artista ha dicho que pinta en busca de un alfabeto personal. Esa idea es esencial porque estas obras no se limitan a representar personajes; construyen un sistema de comunicación a partir de la repetición y la variación. Un ojo puede funcionar como anatomía en un cuadro, como adorno en otro y como símbolo cósmico en el siguiente. Los puntos se convierten en costuras, collares, límites o medidas rítmicas. Los cuerpos se convierten en contenedores de color y memoria. A través de esta gramática cambiante, Arcoverde une la energía espontánea del dibujo a la construcción deliberada de la pintura. Su logro singular radica en sostener la paradoja en el centro de su práctica: la imagen sigue siendo lo suficientemente figurativa para dirigirse a nosotros, lo suficientemente abstracta como para escapar a la explicación y lo suficientemente abierta como para hacer de la imaginación una parte activa de la visión.
